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Los géneros artísticos.

Las obras de arte suelen clasificarse en cuanto a su contenido temático. En la plástica históricamente podemos hacer mención, a grandes rasgos, de los siguientes grandes géneros:

•    La obra histórica.
•    La obra costumbrista.
•    El retrato.
•    El desnudo.
•    El paisaje.
•    El bodegón.

La obra de arte histórica fue valorada durante mucho tiempo como el gran género artístico. La misma se inspira no sólo motivos estrictamente históricos sino también religiosos y mitológicos. También se incluye dentro de la misma a la alegoría, la cual es una figura literaria o tema artístico que pretende representar una idea valiéndose de formas humanas, animales o de objetos cotidianos.

A diferencia de la obra histórica la costumbrista es considerada de un género menor, ya que para realizar u observar la misma no era necesario poseer un gran conocimiento enciclopédico debido a que su temática era considerada simple y de fácil comprensión. Otra diferencia con respecto a la histórica es que generalmente se trataba de una pintura alejada del monumentalismo de aquella otra, es decir que era de menor escala. El uso de la alegoría también es común dentro de la obra costumbrista. También se conoce a la obra costumbrista bajo el nombre de pintura de género.

El retrato es la representación de una persona. Se trató de un género de suma importancia durante mucho tiempo ya que el artista que los realizaba era requerido por todo aquél que tuviese acceso económico a esta posibilidad. Debemos recordar que la fotografía no fue inventada hasta mediados del siglo XIX. En el retrato predomina el rostro y la expresión del retratado. Es común que el artista también construya la ambientación dotando así de un mayor perfil simbólico.

Con la invención de la fotografía, si bien se siguieron realizando retratos (ahora no sólo pictóricos sino también fotográficos), se liberó a este género, y a la pintura toda, de la búsqueda de la representación fiel de la realidad (análogon). Esto tendrá consecuencias fundamentales también en el resto de las expresiones artísticas de la plástica (escultura, grabado, etc).

Otro género artístico reconocido históricamente es el del desnudo, si bien sus representaciones podrían encuadrarse dentro de otros anteriormente mencionados. Tiempo atrás  el desnudo era sólo bien visto si la representación a realizar tenía una justificación mitológica o religiosa, siendo la figura representada de manera idealizada.

En el paisaje el artista representa escenas de la naturaleza, tales como montañas, valles, ríos, etc. Según la escena que se represente podemos estar hablando de marinas (mar), paisajes fluviales (ríos), estelares (cielo y espacio), etc. Otra diferencia que puede establecerse es entre el paisaje natural y el urbano (es decir, de ciudad).

Dentro de la jerarquía de los géneros el paisaje ocupaba un lugar sólo superior al bodegón.

El bodegón o naturaleza muerta es una obra de arte que representa objetos inanimados, generalmente extraídos de la vida cotidiana, que pueden ser naturales (animales, frutas, flores, comida, plantas, rocas o conchas) o hechos por el hombre (utensilios de cocina, de mesa o de casa, antigüedades, libros, joyas, monedas, pipas, etc.) en un espacio determinado. Fue considerado por mucho tiempo un género menor. Durante el período barroco apareció una vertiente denominada vanitas (vanidad en latín) la cual dotaba al mismo de un mayor simbolismo representando así lo vacuo de la vida material la cual tiene su fin inevitable.

Tangram

El tangram (del chino, "siete tableros de astucia") es un antiguo juego chino de ingenio, compuesto por 7 piezas (5 triángulos rectángulos, 1 cuadrado y un 1 romboide) en el cual el jugador debe modificar la posición de las piezas con el fin de formar figuras evitando la superposición de las mismas.

El origen del Tangram.

Existen varias versiones sobre el origen de la palabra Tangram:

*La más aceptada hace referencia a su invención por parte de un inglés quien unió el vocablo cantonés "tang" que significa chino, con el vocablo latino "grama" que significa escrito o gráfico. 

*Otra sostiene que su origen se remonta a los años 618 a 907 de nuestra era, época en la que reinó en China la dinastía Tang de donde se derivaría su nombre.

*También existe la posibilidad de que su origen se daba a un juego de muebles llamado yanjitu, los cuales se utilizaban durante la dinastía Song. Según los registros históricos chinos, estos muebles estaban formados originalmente por un juego de 6 mesas rectangulares. Más adelante se agregó una mesa triangular y las personas podían acomodar las mesas de manera que formaran una gran mesa cuadrada. Hubo otra variación más adelante, durante la dinastía Ming, y un poco más tarde fue cuando se convirtió en un juego.

*Por último se cuenta la leyenda de un sirviente de un emperador chino quien llevaba un mosaico de cerámica, muy caro y frágil, y que al tropezar se le cayó y rompió el mosaico en pedazos. Desesperado, el sirviente trató de formar de nuevo el mosaico en forma cuadrada pero no pudo. Sin embargo, se dio cuenta de que podía formar muchas otras figuras con los pedazos.

Dimensiones para realizar tu tangram.

Deberás realizar dos piezas de tangram respetando las siguientes dimensiones:

Ejemplos posibles de tangram.

Vasili Kandinsky

Vasili Kandinsky fue un pintor ruso nacido en Moscú en 1866. Si bien de joven inició sus estudios en artes musicales y plásticas al entrar a la mayoría de edad decidió estudiar economía y derecho, recibiéndose en 1892.

Un acontecimiento que modificará su rumbo será la determinación que tomará luego de escuchar en el Teatro Imperial de Moscú la ópera de Wagner "Lohengrin". Decidió dar un giro y dejar la economía y el derecho de lado para dedicarse al estudio de las artes. Será así que a los 30 años de edad viajará a Munich en Alemania, rutilante centro artístico y cultural por entonces, y conocerá el éxito recién para sus 42 años de edad.

Kandinsky resultó ser un pionero en la búsqueda de la liberación artística del corset naturalista. Es considerado el iniciador del arte abstracto en su vertiente lírica (no así geométrica). Su vida fue marcada por el interés que tenía en la operatoria con el color y la ligazón de este con los sonidos, influido por las relaciones sinestésicas que se producen entre la plástica y la música. De allí que sus obras tenían como punto de partida sus sensaciones interiores independientemente de la realidad circundante, dejando de lado así el materialismo que tanto criticaba como carcelero del arte.

No debemos tomar a Kandinsky como alguien inconexo de su época sino como alguien que estaba a la vanguardia de la misma pero no estaba sólo. Para su llegada a Alemania en la revista "Jugend" podía leerse lo siguiente: "No hay un error mayor que creer que la representación detallada de la naturaleza es el arte".

En Alemania entrará en contacto con el músico y compositor Arnold Schönberg, creador del dodecafonismo, con quien llevará un asiduo intercambio de correspondencia. Hasta el mismo Kandinsky llegará a realizar composiciones musicales.

Respecto a sus obras plásticas, Kandinsky decidió segmentarlas otorgándoles nombres relacionados con la música. Así podemos hablar de impresiones, improvisaciones y composiciones. Las llamadas impresiones se tratan de una mirada hacia el mundo exterior. Los títulos que llevan (jinete, iglesia, lago, etc.) son la clave para interpretarlas. Las improvisaciones suponen la expresión de emociones interiores. Se trata de expresiones espontáneas de carácter espiritual, que exigen la no reproducción de elemento alguno que remita al mundo material; anunciando así la ruptura definitiva con el mundo de las formas. Por último, en las composiciones observamos construcciones sumamente precisas, realizadas sobre la base de apuntes previos, cuyas líneas y colores han sido trazados instintivamente.

Si contemplamos el conjunto de su obra, podemos darnos cuenta de que al primer grupo pertenecen sus realizaciones datadas hasta 1910, al segundo, las abstracciones expresionistas de 1910-1921 y al tercero, las abstracciones constructivas posteriores a 1921.

Uno de los momentos más destacados de su vida artística llegará en 1912 al fundar la agrupación "El jinete azul" ("Der blaue reiter"), en la cual se destacarán otros artistas como Marc, Macke y Klee.

Al estallar la Primera Guerra Mundial, Kandinsky retornará a Moscú donde ocupará importantes cargos en la administración artística y cultural. Su labor se tradujo en la creación de museos por toda Rusia y en programas de enseñanza artística.

En 1921 regresará a Alemania y a los pocos meses recibirá una invitación de Walter Gropius para incorporarse a la Bauhaus, escuela de diseño de la localidad de Weimar, dónde tuvo a su cargo el taller de Pintura Decorativa y el curso de iniciación.

Durante estos años su obra se disciplina, al color se añade la geometría y la interacción de la forma, y su pintura se aprovechará de las múltiples tendencias que coinciden en distintos momentos en la Bauhaus. Su obra experimenta una transición hacia una mayor estructuración, tanto compositiva como formal, que se ha denominado el periodo arquitectural de su pintura, al que le siguió otro en que indaga con los trazos circulares y concéntricos.

Para la llegada de los nazis al poder la Bauhaus fue clausurada y él catalogado como artista degenerado, tras lo que decidió trasladarse a la localidad francesa de Neuilly-sur-Seine, suburbio de París. Allí continuará con la búsqueda de formas abstractas, las cuales plasmará por medio de colores combinados de manera compleja e inspirándose en signos geométricos y en motivos eslavos, alejándose así de la geometría de la Bauhaus, optando por formas orgánicas y biomórficas.

Dentro de sus obras teóricas se deben resaltar sus libros "De lo espiritual en el arte" de 1911 (y fechado en 1912) y "Punto y línea frente al plano" de 1926.

A continuación se observarán reproducciones de obras de Kandinsky agrupadas según los periodos antes mencionados.

Impresiones.

Improvisaciones.

Composiciones.

Biomorfos.

Video de Kandinsky dibujando.

Marco Vitruvio Polión - "El hombre de Vitruvio".

Marco Vitruvio Polión (en latín Marcus Vitruvius Pollio) fue un arquitecto, escritor, ingeniero y tratadista romano del siglo I a.C.

La fama de Vitruvio se debe al tratado De architectura, la única obra de estas características que se conserva de la Antigüedad clásica. Conocido y empleado en la Edad Media, la edición del tratado de Vitruvio en Roma en 1486 ofreció a los artistas del Renacimiento, imbuidos de la admiración por las virtudes de la cultura clásica tan propio de la época, un canal privilegiado mediante el que reproducir sus formas arquitectónicas. "Sus cinco órdenes -escribió Bradbury- construyeron Italia y siguen construyéndola todavía".

En "El hombre de Vitruvio", Leonardo da Vinci estudió las proporciones del cuerpo humano partiendo de pasajes de "Sobre la arquitectura" (De Architectura).

Hombre de Vitruvio, dibujado alrededor de 1490.

Puntillismo.

Es una técnica pictorica que consiste en la obtención de las gamas cromáticas mediante la aplicación de puntos o rasgos yuxtapuestos de colores planos y que mirados desde cierta distancia producen la adecuada mezcla óptima que define la imagen.  El iniciador de esta técnica fue el pintor francés Georges Seurat a principios de la década 1880.

A continuación se observan obras del mencionado artista.

"La torre Eifel", 1889. Del mismo año de la inauguración del edificio.

"Tiempo gris", "Grande Jatte", 1888.

"La parade", 1889.

Detalle de "La parade".

"El circo", 1891.

Leonardo Da Vinci y La Gioconda

Leonardo Da Vinci.

Leonardo Da Vinci nació el 15 de abril de 1452 en la localidad italiana de Vinci cercana a Florencia. Falleció el 2 de mayo de 1519 en la localidad francesa de Amboise.

Da Vinci fue el prototipo del hombre renacentista.  Este polímata (en griego, quien aprende mucho) se desenvolvió no sólo dentro del campo del arte sino que en sus estudios abordó también la anatomía, la arquitectura, la botánica, la música y la ingeniería entre otros ámbitos.

Su obra artístico-plástica, a pesar de la numerosa cantidad de bocetos producidos, no resulta tan profusa como sí fundamental para la historia del arte. Entre su gran cantidad de obras maestras se destacan su afamada "La Gioconda", "La dama del armiño", "La última cena", "San Juan Bautista", "La virgen de las rocas" y "La Virgen, el Niño Jesús y Santa Ana".

Sus composiciones fueron elaboradas con suma minuciosidad. La sutileza que presentan en el manejo de las luces y las sombras crea un halo de misterio en torno a las figuras allí representadas, siendo la misma gracia la que romperá con la dureza de la figuración de épocas anteriores y sus contornos bien definidos.  Con este fin Leonardo desarrolló la técnica del "sfumato", definida por el propio Leonardo como una técnica "sin líneas o bordes, en forma de humo o más allá del plano de enfoque".

Autorretrato, 1515.

Estudio del embrión humano hecho entre 1510-13.

Hombre de Vitruvio, dibujado alrededor de 1490.

El tornillo aéreo, 1486, considerado como el antecesor del helicóptero. 

"San Juan Bautista". 1508-13.

"La Virgen de las rocas", en sus dos versiones. 1483-86

"La Virgen, Santa Ana y el niño". Cartón de 1501-05 dónde se observa representado también a San Juan Bautista. Óleo de 1510-13 dónde San Juan es reemplazado por un cordero.

"La dama del armiño". 1488-1490.

"La última cena". 1495-97.

La Gioconda.

"La Gioconda", también conocida bajo el nombre de "La Mona Lisa", es un óleo sobre tabla de álamo de 77 x 53 cm, pintado entre 1503 y 1519,1 y retocado varias veces por el autor. Se considera el ejemplo más logrado de “sfumato”. Es además la última gran obra de Leonardo, si se tiene en cuenta que siguió retocándola hasta sus últimos años. Después de terminar el cuadro, Leonardo llevó su obra a Roma y luego a Francia, donde la conservó hasta su fallecimiento.

El retrato es el de Lisa Gherardini, la esposa de Francesco del Giocondo, mercader de textiles y seda bastante conocido en Florencia por su calidad de trabajo.

Su fama se debe probablemente a las múltiples referencias literarias, a las diversas hipótesis sobre la identidad de la protagonista y el porqué de su sonrisa y al espectacular robo de que fue objeto el 21 de agosto de 1911.

"La Gioconda". 1503-19.

La copia más famosa de "La Gioconda".

Existen muchas copias de "La Gioconda", la que se encuentra en el museo del Prado (Madrid, España) desde su inauguración, procedente de las Colecciones Reales, es la más antigua que se conoce, y sobre todo presenta la particularidad de que fue pintada al mismo tiempo y en el mismo taller que la original, por un alumno de Leonardo. Esta singularidad se descubrió gracias al proceso de estudio y restauración al que fue sometida a partir de 2010 ante una petición de préstamo para una exposición temporal en el Museo del Louvre de París (propietario de la obra original). Además durante este proceso de restauración se eliminaron los barnices, ya ennegrecidos, lo que permitió el surgimiento de un deslumbrante parecido con la obra original.

Hay que señalar además, que en la obra madrileña la retratada (presumiblemente Lisa Gherardini) aparece representada con cejas, aunque muy finas, mientras que en la de París no, asimismo las dos columnas laterales son más visibles en la obra del Prado, siendo la tabla cuatro centímetros más ancha que la obra del Louvre.

La copia del Museo del Prado antes y después de la restauración del 2010.

El Renacimiento.

Renacimiento es el nombre dado a un amplio movimiento cultural que se produjo en Europa Occidental en los siglos XV y XVI. Sus principales exponentes se hallan en el campo de las artes, aunque también se produjo una renovación en las ciencias, tanto naturales como humanas. Italia fue el lugar de nacimiento y desarrollo de este movimiento.

El Renacimiento fue fruto de la difusión de las ideas del humanismo, que determinaron una nueva concepción del hombre y del mundo. El nombre "renacimiento" se utilizó porque este movimiento retomaba ciertos elementos de la cultura clásica. El término se aplicó originariamente como una vuelta a los valores de la cultura grecolatina y a la contemplación libre de la naturaleza tras siglos de predominio de un tipo de mentalidad más rígida y dogmática establecida en la Europa de la Edad Media. Esta nueva etapa planteó una nueva forma de ver el mundo y al ser humano, con nuevos enfoques en los campos de las artes, la política y las ciencias, sustituyendo el teocentrismo medieval por cierto antropocentrismo.

Obras para tramas de líneas.

La línea.

A continuación se hallan las imágenes para el trabajo de línea. Recuerda imprimir sólo una de ellas y transferirla a la hoja en lápiz (no tinta ni fibra) al igual que hiciste con el trabajo del punto, pero en este caso ten en cuenta trasladar solamente la figura evitando hacerlo con cualquier dato del fondo.

También, si tienes la posibilidad, te será de suma utilidad descargar la imagen a un celular para poder trabajarla en clase observándola desde cerca.

Autorretrato de Pablo Picasso. 1907

"Senecio" de Paul Klee. 1922

"El Grito" de Edvard Munch.

Edvard Munch.

Pintor y grabador noruego. 1863-1944.

Considerado como precursor del expresionismo.  La temática fundamental de su obra giro en torno a la angustia existencial  producto de las vivencias humanas (se refería así mismo como alguien que “diseccionaba almas”).

Autorretrato de Edvard Munch.

"El Grito" de Edvard Munch.

En esta obra del año 1893 del pintor noruego podemos ver, en primer plano sobre una pasarela la figura sintetizada de un hombre cuyas manos cubren sus oídos, la representación de la angustia existencial. Esta idea se ve reforzada por el rostro cadavérico del personaje. Detrás de este personaje se esbozan dos siluetas  que se aproximan y en el fondo el mar iluminado por un cielo en llamas.

El nombre original de esta obra fue "El grito de la naturaleza".

Versión original de 1893.

Varios motivos se alegan que fueron los detonantes de esta obra, siendo los dos primeros mayormente constatables que los segundos:

*El rechazo a la sociedad de su época (vista como hipócrita y deshumanizada).

*Sus experiencias de vida (educación estricta y muerte de una hermana y su madre de tuberculosis lo cual reforzó su sentimiento trágico de la vida).

*La erupción del Krakatoa (isla que sufrió una erupción devastadora en 1883, la cual produjo grandes daños colaterales a cientos de km causando miles de víctimas. Fue considerada como el mayor ruido de la historia).

*Momia peruana (cultura chachapoya) expuesta en París para aquella época (la misma se está tomando su cabeza).

Originalmente llamó a esta pintura "El grito de la naturaleza" ("Der Chrei der Natur") y fue creada como parte de la serie Friso de la vida sobre la vida moderna, el amor, la angustia y la muerte. Para esta imagen Munch se inspiró en un texto autobiográfico que escribió en su diario en enero de 1892:

"Caminaba yo con dos amigos por la carretera, entonces se puso el sol; de repente, el cielo se volvió rojo como la sangre. Me detuve, me apoyé en la valla, inexplicablemente cansado. Lenguas de fuego y sangre se extendían sobre el fiordo negro azulado. Mis amigos siguieron caminando, mientras yo me quedaba atrás temblando de miedo, y sentí el grito enorme, infinito, de la naturaleza".

Munch fue un pintor atormentado y obsesivo. En su obra puede apreciarse la reiteración de temas de manera asidua.

Pintó 4 versiones similares de "El Grito", pero no idénticas, entre los años 1893 y 1910. También realizó una litografía de la misma. La versión de 1893 se alberga en la Galería Nacional de Noruega, la otra versión pintada con tempera en 1910 junto con la versión con pastel de 1893 son propiedad del Museo Munch en Oslo.

Versiones de "El grito". óleo y pastl sobre cartón de 1893, lápiz de 1893, pastel de 1895, litografía de 1895 (cuya piedra fue destruída poco tiempo después) y témpera sobre cartón de 1910.

En 1892 realizó la obra "Desesperación" en la cual podemos observar la representación de la escena de la obra "El Grito" pero con un personaje de rostro humanizado en primer plano. Volvió a representar la misma luego entre el '93 y el '94.

Versiones de "Desesperación".

Obra similar a desesperación en la expresión del personaje, y no en su ambientación resulta "Melancolía". Realizada en dos versiones, 1892 y 1894-95.

Versiones de "Melancolía".

La representación de los puentes, los cuales resultan típicos para su país, pueden observarse en los estudios realizados en "Mujeres sobre el puente".

Versiones de "Mujeres sobre el puente".

El cielo y el puente también puede observarse en "Ansiedad" (1894), dónde se aprecia una procesión de personas, las cuales son representadas de manera muy usual para el pintor como puede observarse en "Atardecer en la calle Karl Johan" (1892).

"Ansiedad" y "Atardecer en la calle Karl Johan".

Por último la acción de llevarse las manos a la cabeza, signo de desesperación, también es representada en obras como "La madre muerta" y "Cenizas".

Versiones de "La madre muerta" y "Cenizas".

Obras para puntillismo.

Selecciona una obra de las aquí presentes ("La Gioconda" de Leonardo Da Vinci, "El Grito" de Edvard Munch o "Los Girasoles" de Vincent Van Gogh) y transfierela de forma lineal (y de manera muy suave) con un lápiz de grafito a una hoja de dibujo. Para ellos puedes utilizar papel de calcar, papel carbónico, colocarte detrás de un vidrio con luz, etc. No debes pintarla.

Recuerda llevar a clases la impresión, la cual te servirá de guía. También puedes llevar la imagen descargada en tu celular.

"La Gioconda" de Leonardo Da Vinci.

"Los Girasoles" de Vincent Van Gogh.

"El Grito" de Edvard Munch.