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jueves, 24 de abril de 2014

Tangram

El tangram (del chino, "siete tableros de astucia") es un antiguo juego chino de ingenio, compuesto por 7 piezas (5 triángulos rectángulos, 1 cuadrado y un 1 romboide) en el cual el jugador debe modificar la posición de las piezas con el fin de formar figuras evitando la superposición de las mismas.



El origen del Tangram.

Existen varias versiones sobre el origen de la palabra Tangram:

*La más aceptada hace referencia a su invención por parte de un inglés quien unió el vocablo cantonés "tang" que significa chino, con el vocablo latino "grama" que significa escrito o gráfico. 

*Otra sostiene que su origen se remonta a los años 618 a 907 de nuestra era, época en la que reinó en China la dinastía Tang de donde se derivaría su nombre.

*También existe la posibilidad de que su origen se daba a un juego de muebles llamado yanjitu, los cuales se utilizaban durante la dinastía Song. Según los registros históricos chinos, estos muebles estaban formados originalmente por un juego de 6 mesas rectangulares. Más adelante se agregó una mesa triangular y las personas podían acomodar las mesas de manera que formaran una gran mesa cuadrada. Hubo otra variación más adelante, durante la dinastía Ming, y un poco más tarde fue cuando se convirtió en un juego.

*Por último se cuenta la leyenda de un sirviente de un emperador chino quien llevaba un mosaico de cerámica, muy caro y frágil, y que al tropezar se le cayó y rompió el mosaico en pedazos. Desesperado, el sirviente trató de formar de nuevo el mosaico en forma cuadrada pero no pudo. Sin embargo, se dio cuenta de que podía formar muchas otras figuras con los pedazos.

Dimensiones para realizar tu tangram.


Deberás realizar dos piezas de tangram respetando las siguientes dimensiones:




Ejemplos posibles de tangram.



miércoles, 23 de abril de 2014

Puntillismo.

Es una técnica pictorica que consiste en la obtención de las gamas cromáticas mediante la aplicación de puntos o rasgos yuxtapuestos de colores planos y que mirados desde cierta distancia producen la adecuada mezcla óptima que define la imagen.  El iniciador de esta técnica fue el pintor francés Georges Seurat a principios de la década 1880.

A continuación se observan obras del mencionado artista.


"La torre Eifel", 1889. Del mismo año de la inauguración del edificio.

"Tiempo gris", "Grande Jatte", 1888.

"La parade", 1889.

Detalle de "La parade".

"El circo", 1891.

Leonardo Da Vinci y La Gioconda

Leonardo Da Vinci.

Leonardo Da Vinci nació el 15 de abril de 1452 en la localidad italiana de Vinci cercana a Florencia. Falleció el 2 de mayo de 1519 en la localidad francesa de Amboise.

Da Vinci fue el prototipo del hombre renacentista.  Este polímata (en griego, quien aprende mucho) se desenvolvió no sólo dentro del campo del arte sino que en sus estudios abordó también la anatomía, la arquitectura, la botánica, la música y la ingeniería entre otros ámbitos.

Su obra artístico-plástica, a pesar de la numerosa cantidad de bocetos producidos, no resulta tan profusa como sí fundamental para la historia del arte. Entre su gran cantidad de obras maestras se destacan su afamada "La Gioconda", "La dama del armiño", "La última cena", "San Juan Bautista", "La virgen de las rocas" y "La Virgen, el Niño Jesús y Santa Ana".

Sus composiciones fueron elaboradas con suma minuciosidad. La sutileza que presentan en el manejo de las luces y las sombras crea un halo de misterio en torno a las figuras allí representadas, siendo la misma gracia la que romperá con la dureza de la figuración de épocas anteriores y sus contornos bien definidos.  Con este fin Leonardo desarrolló la técnica del "sfumato", definida por el propio Leonardo como una técnica "sin líneas o bordes, en forma de humo o más allá del plano de enfoque".

Autorretrato, 1515.

Estudio del embrión humano hecho entre 1510-13.

Hombre de Vitruvio, dibujado alrededor de 1490.

El tornillo aéreo, 1486, considerado como el antecesor del helicóptero. 

"San Juan Bautista". 1508-13.


"La Virgen de las rocas", en sus dos versiones. 1483-86


"La Virgen, Santa Ana y el niño". Cartón de 1501-05 dónde se observa representado también a San Juan Bautista. Óleo de 1510-13 dónde San Juan es reemplazado por un cordero.


"La dama del armiño". 1488-1490.

"La última cena". 1495-97.

La Gioconda.

"La Gioconda", también conocida bajo el nombre de "La Mona Lisa", es un óleo sobre tabla de álamo de 77 x 53 cm, pintado entre 1503 y 1519,1 y retocado varias veces por el autor. Se considera el ejemplo más logrado de “sfumato”. Es además la última gran obra de Leonardo, si se tiene en cuenta que siguió retocándola hasta sus últimos años. Después de terminar el cuadro, Leonardo llevó su obra a Roma y luego a Francia, donde la conservó hasta su fallecimiento.

El retrato es el de Lisa Gherardini, la esposa de Francesco del Giocondo, mercader de textiles y seda bastante conocido en Florencia por su calidad de trabajo.

Su fama se debe probablemente a las múltiples referencias literarias, a las diversas hipótesis sobre la identidad de la protagonista y el porqué de su sonrisa y al espectacular robo de que fue objeto el 21 de agosto de 1911.


"La Gioconda". 1503-19.

La copia más famosa de "La Gioconda".

Existen muchas copias de "La Gioconda", la que se encuentra en el museo del Prado (Madrid, España) desde su inauguración, procedente de las Colecciones Reales, es la más antigua que se conoce, y sobre todo presenta la particularidad de que fue pintada al mismo tiempo y en el mismo taller que la original, por un alumno de Leonardo. Esta singularidad se descubrió gracias al proceso de estudio y restauración al que fue sometida a partir de 2010 ante una petición de préstamo para una exposición temporal en el Museo del Louvre de París (propietario de la obra original). Además durante este proceso de restauración se eliminaron los barnices, ya ennegrecidos, lo que permitió el surgimiento de un deslumbrante parecido con la obra original.

Hay que señalar además, que en la obra madrileña la retratada (presumiblemente Lisa Gherardini) aparece representada con cejas, aunque muy finas, mientras que en la de París no, asimismo las dos columnas laterales son más visibles en la obra del Prado, siendo la tabla cuatro centímetros más ancha que la obra del Louvre.

La copia del Museo del Prado antes y después de la restauración del 2010.


El Renacimiento.

Renacimiento es el nombre dado a un amplio movimiento cultural que se produjo en Europa Occidental en los siglos XV y XVI. Sus principales exponentes se hallan en el campo de las artes, aunque también se produjo una renovación en las ciencias, tanto naturales como humanas. Italia fue el lugar de nacimiento y desarrollo de este movimiento.

El Renacimiento fue fruto de la difusión de las ideas del humanismo, que determinaron una nueva concepción del hombre y del mundo. El nombre "renacimiento" se utilizó porque este movimiento retomaba ciertos elementos de la cultura clásica. El término se aplicó originariamente como una vuelta a los valores de la cultura grecolatina y a la contemplación libre de la naturaleza tras siglos de predominio de un tipo de mentalidad más rígida y dogmática establecida en la Europa de la Edad Media. Esta nueva etapa planteó una nueva forma de ver el mundo y al ser humano, con nuevos enfoques en los campos de las artes, la política y las ciencias, sustituyendo el teocentrismo medieval por cierto antropocentrismo.


jueves, 10 de abril de 2014

Obras para tramas de líneas.

La línea.

A continuación se hallan las imágenes para el trabajo de línea. Recuerda imprimir sólo una de ellas y transferirla a la hoja en lápiz (no tinta ni fibra) al igual que hiciste con el trabajo del punto, pero en este caso ten en cuenta trasladar solamente la figura evitando hacerlo con cualquier dato del fondo.
También, si tienes la posibilidad, te será de suma utilidad descargar la imagen a un celular para poder trabajarla en clase observándola desde cerca.

Autorretrato de Pablo Picasso. 1907

"Senecio" de Paul Klee. 1922


sábado, 5 de abril de 2014

"El Grito" de Edvard Munch.

Edvard Munch.
Pintor y grabador noruego. 1863-1944.

Considerado como precursor del expresionismo.  La temática fundamental de su obra giro en torno a la angustia existencial  producto de las vivencias humanas (se refería así mismo como alguien que “diseccionaba almas”).

Autorretrato de Edvard Munch.


"El Grito" de Edvard Munch.

En esta obra del año 1893 del pintor noruego podemos ver, en primer plano sobre una pasarela la figura sintetizada de un hombre cuyas manos cubren sus oídos, la representación de la angustia existencial. Esta idea se ve reforzada por el rostro cadavérico del personaje. Detrás de este personaje se esbozan dos siluetas  que se aproximan y en el fondo el mar iluminado por un cielo en llamas.
El nombre original de esta obra fue "El grito de la naturaleza".

Versión original de 1893.


Varios motivos se alegan que fueron los detonantes de esta obra, siendo los dos primeros mayormente constatables que los segundos:

*El rechazo a la sociedad de su época (vista como hipócrita y deshumanizada).
*Sus experiencias de vida (educación estricta y muerte de una hermana y su madre de tuberculosis lo cual reforzó su sentimiento trágico de la vida).
*La erupción del Krakatoa (isla que sufrió una erupción devastadora en 1883, la cual produjo grandes daños colaterales a cientos de km causando miles de víctimas. Fue considerada como el mayor ruido de la historia).
*Momia peruana (cultura chachapoya) expuesta en París para aquella época (la misma se está tomando su cabeza).



Originalmente llamó a esta pintura "El grito de la naturaleza" ("Der Chrei der Natur") y fue creada como parte de la serie Friso de la vida sobre la vida moderna, el amor, la angustia y la muerte. Para esta imagen Munch se inspiró en un texto autobiográfico que escribió en su diario en enero de 1892:

"Caminaba yo con dos amigos por la carretera, entonces se puso el sol; de repente, el cielo se volvió rojo como la sangre. Me detuve, me apoyé en la valla, inexplicablemente cansado. Lenguas de fuego y sangre se extendían sobre el fiordo negro azulado. Mis amigos siguieron caminando, mientras yo me quedaba atrás temblando de miedo, y sentí el grito enorme, infinito, de la naturaleza".



Munch fue un pintor atormentado y obsesivo. En su obra puede apreciarse la reiteración de temas de manera asidua.

Pintó 4 versiones similares de "El Grito", pero no idénticas, entre los años 1893 y 1910. También realizó una litografía de la misma. La versión de 1893 se alberga en la Galería Nacional de Noruega, la otra versión pintada con tempera en 1910 junto con la versión con pastel de 1893 son propiedad del Museo Munch en Oslo.




Versiones de "El grito". óleo y pastl sobre cartón de 1893, lápiz de 1893, pastel de 1895, litografía de 1895 (cuya piedra fue destruída poco tiempo después) y témpera sobre cartón de 1910.


En 1892 realizó la obra "Desesperación" en la cual podemos observar la representación de la escena de la obra "El Grito" pero con un personaje de rostro humanizado en primer plano. Volvió a representar la misma luego entre el '93 y el '94.



Versiones de "Desesperación".


Obra similar a desesperación en la expresión del personaje, y no en su ambientación resulta "Melancolía". Realizada en dos versiones, 1892 y 1894-95.


Versiones de "Melancolía".




La representación de los puentes, los cuales resultan típicos para su país, pueden observarse en los estudios realizados en "Mujeres sobre el puente".


Versiones de "Mujeres sobre el puente".



El cielo y el puente también puede observarse en "Ansiedad" (1894), dónde se aprecia una procesión de personas, las cuales son representadas de manera muy usual para el pintor como puede observarse en "Atardecer en la calle Karl Johan" (1892).

"Ansiedad" y "Atardecer en la calle Karl Johan".

Por último la acción de llevarse las manos a la cabeza, signo de desesperación, también es representada en obras como "La madre muerta" y "Cenizas".

Versiones de "La madre muerta" y "Cenizas".

miércoles, 19 de marzo de 2014

Obras para puntillismo.

Selecciona una obra de las aquí presentes ("La Gioconda" de Leonardo Da Vinci, "El Grito" de Edvard Munch o "Los Girasoles" de Vincent Van Gogh) y transfierela de forma lineal (y de manera muy suave) con un lápiz de grafito a una hoja de dibujo. Para ellos puedes utilizar papel de calcar, papel carbónico, colocarte detrás de un vidrio con luz, etc. No debes pintarla.
Recuerda llevar a clases la impresión, la cual te servirá de guía. También puedes llevar la imagen descargada en tu celular.

"La Gioconda" de Leonardo Da Vinci.
"Los Girasoles" de Vincent Van Gogh.
"El Grito" de Edvard Munch.